Галерея Боргезе в Риме (залы Апполона и Дафны, Гладиатора, Давида)

Начало – ГАЛЕРЕЯ БОРГЕЗЕ В РИМЕ (ЗАЛ МАРИАНО РОССИ, ЗАЛ ИМПЕРАТОРОВ, ЗАЛ ЕГИПТА)

Продолжение – ГАЛЕРЕЯ БОРГЕЗЕ В РИМЕ (ЗАЛЫ СИЛЕНА, ПОЛИНЫ, ЛАФРАНКО)

Посетить галерею Боргезе необходимо, хотя бы ради того, чтобы увидеть шедевр «Аполлон и Дафна», созданный гениальным Джованни Лоренцо Бернини. Именно в этой скульптуре выразительная сила мастера не имеет себе равных. Скульптурную группу нет необходимости осматривать со всех сторон. Бернини нашел такой ракурс, при котором эмоции Аполлона и Дафны видны одновременно, что делает мифологический сюжет сразу понятным зрителю. Однако, полюбоваться тонкими листьями, сандалией Аполлона и его приподнятой ступней можно только при круговом осмотре. Это была последняя работа Бернини из серии скульптур, выполненных по заказу его покровителя Шипионе Боргезе. Гений обладал еще одним даром – удивительной работоспособностью. После создания «Похищение Прозерпины», он сразу же начал трудиться над изваянием «Аполлон и Дафна». При этом, когда основная часть работы была выполнена, он сделал небольшой перерыв, связанный с созданием скульптуры «Давид», в работу над которой Бернини погрузился не только головой, но и всем телом. 

Скульптурная группа «Аполлон и Дафна» иллюстрирует миф из поэмы «Метаморфозы» древнеримского писателя Овидия, в котором говорится, как Дафна, спасаясь от преследования Аполлона, просит своего отца, речного бога Пенея, изменить ее облик. Услышав мольбу дочери, Пеней превратил ее в лавровое дерево. Бернини изобразил именно тот момент, когда Дафна только начинает превращаться в дерево – ее тело покрывается корой, из ног прорастают корни, а из протянутых к небу рук и взметнувшихся во время бега волос – листья. К тому же мастеру удалось гениально передать и стремительный бег Дафны, и ее испуг, и душевное волнение. Чувствуется, как поздно догнал Аполлон свою возлюбленную. Еще слышит он биение сердца Дафны под корой дерева, но уже понимает – она ускользнула от него.  

Скульптурная композиция «Аполлон и Дафна» поразила современников. Толпы людей устремились на виллу Боргезе взглянуть на вызывающую красоту. Флорентийский историограф Филиппо Бальдинуччи писал: «Когда вещь была закончена, она вызвала такой восторг, что весь Рим ринулся смотреть ее, словно это было некое чудо… На улицах города молодой скульптор… ловил на себе взгляды прохожих; узнавшие его, указывали на него другим». Неаполитанский поэт Джамбаттиста Марино даже посвятил скульптуре одну из 20 песен в своей любовно-мифологической поэме «Адонис»:

«Зачем, скажи, о Дафна,
Ты от меня бежишь
И верностью моей не дорожишь?
Ты нимфа? Или дерево над кручей,
Не знающей тропы?
Ты дерево – и потому молчишь?
Но если так, откуда
Для бегства эти легкие стопы?»

Как всегда, Бернини предусмотрел максимальное участие зрителя в разворачивающейся драме. При входе в зал мы видим лишь спину Аполлона и его развевающуюся накидку. Создается впечатление, что мы словно шагаем за Аполлоном по его стопам, а обогнав его, застывшего в реальном времени, видим деревенеющую Дафну с открытым в крике ртом. Гениальному Бернини удалось оживить застывшее мгновение, передав в мраморе и шелковистость девичьей кожи, и шероховатость древесной коры, и даже шелест листвы и свистящий в накидке ветер.

Особенно возбуждает телесная близость Аполлона и Дафны. Их тела вроде бы соприкасаются, а вроде бы и нет. Их контакт изображен так замысловато, что неясно, где заканчивается Аполлон и начинается Дафна. Аполлон горит желанием схватить Дафну за талию, но рука его натыкается на грубую древесную кору, которой покрывается тело Дафны. Невероятное эмоциональное усилие, излучаемое скульптурной композицией, оказало такое воздействие на одного французского кардинала, что он заявил: «Я ни за что не поставил бы эту скульптуру у себя дома, так как столь прекрасные обнаженные тела никому не дадут покоя».

Кардинал Маффео Барберини, все более настойчиво соперничавший с Шипионе Боргезе в стремлении подружиться с Бернини и взять его под свою опеку, даже сочинил куплет: «Кто любит и гонится за радостями мимолетной красоты, тот наполняет руку листьями и срывает горькие ягоды», который выбили у подножия скульптуры. Не забыл Маффео Барберини уколоть и своего соперника: «Неистовое желание Аполлона завладеть прелестями Дафны сродни рвению кардинала к обладанию сокровищами искусства», – говорил он в кулуарах на открытии скульптуры.

В 1623 году Маффео Барберини, став папой Урбаном VIII, решил, что Бернини не должен работать на частных лиц (даже столь выдающихся, как Шипионе Боргезе), и предложил ему возглавить проект по обновлению Рима. Это не могло не вскружить голову всеми признанному гению, не страдавшему от недостатка самоуверенности. Так в 1629 году в возрасте 31 года Бернини стал главным архитектором собора Святого Петра в Ватикане.

Скульптура «Аполлон и Дафна» стяжала славу и после смерти Бернини. Экспрессия и выразительность пластического движения, плавные текучие линии, мягкие переходы, труднодостижимые в мраморе, но не для Бернини, сделавшего мрамор, по его собственным словам, «гибким, как воск», впечатляют и в наше время. Это, безусловно, одно из высших достижений искусства барокко. Многие искусствоведы называют скульптуру «Аполлон и Дафна» выдающимся шедевром, наполненным энергией, исходящей от кончиков лавровых листьев на руках Дафны и накидки Аполлона. Но также известны люди, которые считают, что «скульптура несет в себе всю нехватку суждений, вкуса и знаний той эпохи…, а Аполлон слишком похож на пастуха и недостаточно на бога». Это невежественные люди. Для меня Бернини – кумир, мастерство которого в обработке мрамора и сегодня затмевает всех скульпторов.

Историю неразделенной любви Аполлона и Дафны, рассказанную Овидием в поэме «Метаморфозы», отобразил римский живописец Пьеро Анджелетти на потолочной росписи зала «Аполлон и Дафна». Не забыл мастер и о главном виновнике трагедии – Эроте, юном боге любви с луком и стрелами, который решил отомстить Аполлону за насмешки. «Зачем тебе столь грозное оружие? Все равно ты не сможешь сравниться со мной», – смеялся Аполлон на Эротом. «Да, Аполлон, твои стрелы не знают промаха, но моя стрела поразит тебя самого!», – отвечал Эрот. Дождавшись появления Аполлона возле Дафны, он вынул из колчана свои мстительные стрелы – одной, вызывающей любовь, поразил сердце Аполлона, а второй, вызывающей отвращение и ужас, поразил сердце прекрасной Дафны. Так был отвергнут самый красивый и самый образованный из всех олимпийцев бог поэтов и музыкантов Аполлон. 

Скульптура «Рыбак и пастухи», датируемая I веком, изначально служила украшением фонтана. В нижней части расположены фигуры богини моря Талассы и речного бога Пенея в окружении представителей морского (рыбы, осьминоги, лодки с рыбаками) и лесного (коза, заяц, улитка, ящерица) мира. В верхней части скульптурной группы размещены фигуры пастухов и рыбака. Природа атрибута в руке рыбака до сих пор не выяснена. На мой взгляд, только жемчужина в раковине могла привлечь внимание пастухов.

Скульптура «Путти с уткой» представляет собой одну из многочисленных римских копий, созданных по бронзовому оригиналу греческого мастера Боета, известного детскими скульптурными изображениями. В III-II веках до н.э. Боет создавал скульптуры по заказам богатых и властных господ Родоса. Изначально скульптура «Путти с уткой» служила украшением садового фонтана на Квиринальском холме. Ученый из Болоньи Улиссе Альдрованди писал: «По бокам фонтана стоят два обнаженных путти, держащих двух водяных птиц, у которых изо рта течет вода: оба путти улыбаются и смотрят на нимфу...». 

Считается, что сюжет для создания первой скульптуры мальчика с птицей был взят из древнегреческого произведения, найденного в храме бога медицины Асклепия. Это привело искусствоведов к мысли, что такие скульптуры являются своеобразным символом борьбы с болезнью, представленной в виде птицы, которую нужно безжалостно задушить. Известно, что жертвенной птицей у бога Асклепия был петух, его душили, молясь о своем выздоровлении. «Критон, мы должны Асклепию петуха. Так отдайте же, не забудьте», – говорил Сократ своему верному другу перед смертью.

Галерея Боргезе может похвастаться огромным количеством голых мальчишек, которые яростно душат гусей или уток. Глядя на них, даже кажется, будто птицы яростно шипят. Однако, если представить, что 2000 лет назад древнегреческий мастер Боет посвятил часть своей жизни, создавая малышей с птицами, было бы не вежливо не восхититься ими. Римляне, забыв о способе излечения от болезней с помощью удушения птиц, начали украшать полюбившимися копиями мальчиков свои парки и фонтаны. В Минске тоже есть подобная скульптурная композиция. Фонтан «Мальчик с лебедем» был открыт в 1874 году в честь запуска в Минске первого водопровода с артезианской водой (Александровский сквер у театра Янки Купалы). Скульптура считается единственно уцелевшей с дореволюционных времен. От собратьев наш «мальчик» отличается тем, что ему целомудренно прикрыли наготу фиговым листочком.

Скульптурная группа посвящена романтическим отношениям между римской богиней любви Венерой и богом войны Марсом, описанным в «Метаморфозах» Овидия. Присутствие пухленького Купидончика намекает на то, что Венере с помощью искусства обольщения удалось умиротворить воинственность Марса. Этот сюжет был популярен в Риме в 15-16 веках. Подобные небольшие статуэтки заказывали в качестве свадебного подарка, как намек на благотворное влияние женщин на мужчин. При этом головы жениха и невесты накладывались на идеализированные обнаженные тела божественной четы Венеры и Марса. Хотя смысл легенды из «Метаморфоз» Овидия скорее служит назиданием для женихов от их не особо верных невест.  

Аполлон в изобразительном искусстве всегда представлялся как идеал мужской красоты – лучезарный, стройный, с величавым выражением на лице. Не сразу в скульптуре из галереи Боргезе можно узнать одного из самых могущественных богов Олимпа. Только его неизменные атрибуты в виде треножника со змеей и грифона говорят о том, что перед нами вечно молодой бог Аполлон. Грифоны, мифические крылатые существа с туловищем льва и головой орла, живут, как считает греческий историк Геродот, в Гиперборее – легендарной северной стране, покровителем которой считается Аполлон. Они являются хранителями золота, вырастающего из самой земли. Древнеримский писатель Плиний Старший, автор энциклопедического сочинения «Естественная история», писал: «Говорят, что грифоны откладывают яйца в норы на земле, и эти гнезда содержат золотые самородки». 

Золотой треножник, как атрибут Аполлона, появился из Дельфийского прорицалища у подножья горы Парнас, где по преданию Аполлон убил змея Пифона, охранявшего вход в него. С тех пор бог получил к своим многочисленным именам еще одно – Аполлон Пифийский. Именно там, на золотом треножнике восседала жрица, предсказания которой оглашал специальный оракул. В те времена без ее одобрения в Греции не совершалось ни одно серьезное дело. К жрице из Дельфийского прорицалища обращался даже сам великий Марк Туллий Цицерон, которого интересовал один вопрос: «Как стать знаменитым?». «В жизни своей следуй правде естества, а не мнению большинства» – получил он ответ от жрицы.

В зале «Давида» расположен очередной шедевр творения гениального Джованни Лоренцо Бернини. Скульптура посвящена одной из величайших личностей еврейской истории. Библия повествует о нем также подробно, как и об основоположнике иудаизма Моисее. Давид, второй царь Израиля, объединил разрозненные израильские племена в единый народ, завоевал Иерусалим, в котором основал столицу своего государства. В новой столице от новых жен у него родилось множество сыновей, среди которых был и третий еврейский царь Соломон. Историчность царя Давида, так же как и существование единого Израильского царства, является предметом дискуссии историков и археологов. Прямых доказательств существования Давида нет, а многие детали библейских рассказов о нем носят характер легенды. Лишь в надписи на стеле (9-8 век до н.э.), которая сегодня хранится в Иерусалиме, упоминается о династии Давида, а существование единого царства Израиля во времена царя Давида косвенно подтверждается раскопками древнего города Хирбет-Кейафа.

Одним из самых известных сюжетов Библии является история Давида и Голиафа, в которой говорится, что Давид со своей семьей жил в городе Вифлееме, к югу от Иерусалима, пас овец, а трое его старших братьев сражались в армии царя Саула против филистимлян. О происхождении филистимлян у ученых нет единого мнения, но в Библии говорится, что среди их воинов было много гигантов. Самым сильным был трехметровый Голиаф, вселявший страх в воинов царя Саула. А в те времена существовал обычай, перед тем, как начать битву, от каждого войска поочередно выходили солдаты на честный поединок. Многих воинов царя Саула сразил Голиаф, но тут появился юный Давид. Он знал, что Господь поможет ему защитить Израиль.

Давид взял посох, положил в свою пастушью сумку пять гладких камней, пращу (ремень для метания камней) и пошел к Голиафу. Завидев его, великан рассмеялся: «Ты меня оскорбил! Разве я пес тебе, чтобы подходить ко мне с камнями и палкой». Давид ответил: «Ты можешь искать помощи у меча и копья, но у меня есть вера – ее сила непобедима». С этими словами он достал из сумки камни с пращой и метнул их в Голиафа. Когда гигант с ужасным грохотом упал навзничь, Давид схватил меч и отрубил ему голову. Как писал Пушкин:
«Певец-Давид был ростом мал,
Но повалил же Голиафа,
Который был и генерал,
И, побожусь, не ниже графа»

Жизнеописание подвигов юного Давида, будущего царя Иудеи, явилось источником вдохновения для многих художников эпохи Возрождения. Образ бесстрашного победителя увековечили в мраморе все великие флорентийские скульпторы – Микеланджело, Донателло и Верроккьо. Не удивительно, что и амбициозный Джованни Лоренцо Бернини тоже выбрал эту тему. Работая над скульптурой «Аполлон и Дафна», он по неизвестным причинам прервал проект, чтобы начать работу над «Давидом». Возможно, 25-летний гений горел желанием сравнить себя с великими мастерами эпохи Возрождения. Работая над скульптурой 7 месяцев без передышки, он отдавался ей целиком – рубил, тесал, шлифовал мрамор по семь часов в день. В пылу увлечения он мог свалиться с лесов, поэтому при нем всегда был помощник. Когда Бернини отвлекали от работы, он говорил: «Оставьте меня, я влюблен, меня сжигает огонь». 

«Давид» Бернини кардинально отличается от скульптур великих мастеров. Микеланджело увековечил в мраморе момент, когда Давид только готовился к сражению, а в скульптурах Донателло и Верроккьо герой предстает уже победителем. Бернини же запечатлел сам процесс сражения Давида с великаном Голиафом. Изогнутое тело Давида замерло в тот момент, когда камень из пращи почти летел в Голиафа. Его лицо отражает мрачный азарт битвы – брови сдвинуты, взгляд сосредоточен, нервно закушена губа, на лбу пролегли глубокие складки. Ученики рассказывали, что в качестве модели Бернини использовал собственное отражение в зеркале, которое держал Маффео Барберини (будущий папа Урбан VIII). 

К библейской истории о противостоянии молодого пастуха Давида и великана Голиафа обращались многие живописцы. Но самой значимой из всех считается картина дерзкого Караваджо, бунтарский дух которого затронул многих европейских художников и определил не один творческий путь. В числе его многочисленных последователей был и неаполитанский художник Баттистелло Караччоло. Он принял убеждения Караваджо в том, что искусство должно быть как можно ближе к реальности и не нужно бояться изображать даже самые неприятные и страшные вещи.

Картина Баттистелло Караччоло «Давид с головой Голиафа» очень напоминает шедевр Караваджо – тот же контраст света и тени, так же голова Голиафа  приближена к краю картины. Однако, Караччоло не удалость передать агрессивность и драматизм сюжета, свойственные великому Караваджо. На картине не видно эмоций Давида, правда, лицо Голиафа написано очень выразительно – оно полно страданий, мук и боли. Контраст между молодым юношей в шляпе с пером, олицетворяющим жизнь, и злобным великаном, символизирующим поверженное зло, художнику удался.

Имя Аннибале Карраччи считается одним из множества блистательных имен в истории живописи. Именно он вместе с братьями создал в 1585 году болонскую «Академию вступивших на правильный путь». Однако критикам последующих эпох работы Аннибале Карраччи стали казаться скучными и банальными. Как писал русский искусствовед Павел Муратов: «Такова странная судьба художественных вкусов и симпатий. От всеобщего признания и поклонения мы внезапно перешли к решительному отрицанию и полному равнодушию. Художники, которые сто лет тому назад считались в избранном числе величайших и знаменитейших мастеров, не вызывают теперь ни восторгов, ни даже внимания. Причиной этого был сознательный и программный эклектизм Болонской академии». На протяжении всей творческой жизни Аннибале Карраччи писал картины, созданные по мифологическим сюжетам и воспевающие красоту человеческого тела. Его картина «Самсон в темнице» посвящена ветхозаветному судье-герою, который славился своими подвигами в борьбе с филистимлянами. Он был силен, красив и очень любил женщин. Господь даровал ему длинные волосы, которые были источником необычайного его могущества. Однако силу, данную ему для защиты от врагов, он променял на страсть к красивой и коварной филистимлянке Далиде. Выведав тайну о сверхъестественной силе волос, Далида усыпила Самсона и состригла волосы. Утратившего силу Самсона схватили, выкололи глаза, сковали цепями и бросили в темницу.

Зал «Давида» украшен потолочной росписью «Падение Фаэтона», созданной в 1779 году итальянским художником Франческо Каччианига. Миф о Фаэтоне, в котором рассказывается о дерзости смертного, попытавшегося стать солнцем, по сей день является необычайно привлекательным для художников, скульпторов и поэтов. Существует несколько вариантов изложения этого мифа, но суть их остается неизменной – Фаэтон выпросил у своего отца Гелиоса позволение править солнечной колесницей, но кони неумелого возницы отклонились от правильного направления и приблизились к Земле, отчего та загорелась. На мой взгляд, никто не рассказал этот миф красивее, чем русский поэт Максимилиан Волошин в стихотворении «Фаэтон».

«Падение Фаэтона» – это полная драматизма картина, предупреждающая о грандиозных последствиях, в результате которых может погибнуть не только ее виновник Фаэтон, но и Земле грозит вселенская катастрофа (вспомним всемирный потоп, о котором рассказывает Овидий в «Метаморфозах»). Так миф, превращаясь в декоративную абстракцию, напоминает нам о том, что произошло в прошлом и, не дай бог, ожидает нас в будущем.

О легендарном древнегреческом герое Геракле, сыне Зевса, наверняка слышали все. Даже те, кто мало знаком с античными мифами, знают, что он совершил 12 подвигов. Именно эти подвиги изображены на барельефе, созданном в 160-170 годах. Восьмимесячный Геракл доказал свой героический нрав, когда жена Зевса Гера, ненавидящая детей Зевса от других женщин, решила избавиться от них, натравив двух змей. Ночью, когда Геракл лежал в колыбели со своим братом, змеи обвили тела младенцев. Брат лишь заплакал, а Геракл схватил обеих и тотчас задушил. Услышав об этой истории, прорицатель объявил, что мальчик, когда вырастет, совершит великие подвиги.

Известно, что 12 подвигов Геракла – это задания Эврисфея, сына Геры. Почему Геракл их исполнял? Да, чтобы искупить вину за то, что в припадке безумия убил всех своих детей от первого брака. В наказание за преступление он был направлен дельфийский оракулом на службу к Еврисфею, по приказу которого победил немейского льва и лернейскую гидру, перебил стимфалийских птиц, поймал керинейскую лань и эриманфского вепря, очистил Авгиевы конюшни, укротил критского быка, завладел конями Диомеда, поясом Ипполиты, коровами Гериона, привел к Еврисфею из загробного мира адского пса Цербера и раздобыл яблоки Гесперид.

Гераклу судьбой были уготованы не только подвиги, но и мучительная смерть. Как же умер герой? На этот вопрос 2500 лет назад ответил в трагедии «Трахинянки» афинский драматург Софокл:
«Геракл костер для жертвоприношений разжигал,
когда к нему гонец с плащом из дома прискакал.
Плащ наш герой на голый торс накинул,
яд ожил от огня костра, проник в героя и на землю опрокинул.
И понял тут Геракл, что яд его стрелы к нему вернулся,
жестокой, нестерпимой болью обернулся.
Чудовищная боль его сжигает,
в жестоких муках наш герой страдает,
не в силах больше боль терпеть,
и приказал друзьям на жертвенном костре себя он сжечь».

На таком мощном аккорде завершилась земная жизнь Геракла. А сейчас вспомним несколько подвигов этого известного мифологического героя, который мужественно прошел все испытания судьбы и встал на добродетельный путь вечной славы.

После первого подвига (убийства немейского льва) Эврисфей придумал новое испытание и отправил Геракла в ядовитое Лернейское болото, где обитала девятиглавая гидра, сестра немейского льва. Чтобы сразиться с гидрой на твердой земле, Гераклу пришлось выманивать ее из болота. Он поджег тростник. Когда огонь побежал по болоту, гидра появилась. Шипя и извиваясь, она поползла к Гераклу. К ужасу героя все ее восемь отрубленных голов тут же прирастали, а девятая была бессмертной. Тогда Геракл стал прижигать отрубленные головы горящей головней, и они перестали прирастать. Девятую голову, бессмертную, он отрубил мечом, закопал и придавил огромным камнем так, чтобы гидра не смогла освободиться. Смочив свои стрелы в желчи поверженной гидры, он собрал все отрубленные головы и отправился к Эврисфею.

Эврисфей, не дав герою отдохнуть после поимки керинейской лани (третий подвиг), приказал изловить живьем свирепого вепря, который жил на горе Эриманф, опустошал окрестности и убивал огромными клыками всех подряд. По пути Геракл решил навестить кентавра Фола. С почетом принял Фол великого сына Зевса. Устроив застолье, он откупорил бочку вина, аромат которого услыхали его друзья кентавры и страшно рассердились – ведь вино было общим достоянием. Решив отомстить Фолу, они напали на его дом. Хозяин в страхе спрятался, а Геракл принял бой. Видимо, поэтому Геракл в четвертом подвиге изображен в борьбе с кентавром, а не с Эриманфским вепрем. Правда, вепря он тоже поймал. Зверь оказался огромным и свирепым, удары меча не приносили ему никакого вреда, а только вызывали еще большую ярость. Тогда Геракл повернул свой блестящий щит так, чтобы в нем отразился луч солнца, и направил его в глаза зверю, поколачивая при этом мечом по щиту. Ослепленный светом и напуганный шумом, вепрь бросился бежать к своей горе Эриманф. Геракл загнал его на самую вершину, покрытую снегом. А когда вепрь увяз в снежных сугробах, связал его, взвалил на плечи и отнес Эврисфею.

Чтобы выполнить седьмое поручение Эврисфея, Гераклу пришлось покинуть Грецию и отправиться на остров Крит. Ему было поручено привести критского быка, которого бог Посейдон сотворил в морских глубинах и вывел на берег острова Крит, чтобы критский царь принес его в жертву богам. Но тот решил оставить чудесного быка у себя, а в жертву принес обычного. Разгневанный Посейдон наслал на быка бешенство, и тот в ярости стал опустошать остров, вытаптывая посевы, убивая скот и людей. Пришлось Гераклу вылавливать яростного быка, чтобы доставить Эврисфею. Однако, Эврисфей побоялся держать у себя такое свирепое животное и выпустил его на волю. Критский бык натворил еще много бедствий, пока его окончательно не победил другой герой греческой мифологии – Тесей.

Эврисфей тем временем послал Геракла во Фракию (восьмой подвиг), где царствовал очень жестокий царь Диомед. У него были дивной красоты и силы кобылицы, которых он кормил человеческим мясом чужеземцев, случайно попавших в его царство. Геракл вызвал Диомеда на бой и убил его, а кобылицам скормил тело их хозяина. Кобылиц Геракл привел Эврисфею, но тот приказал выпустить их в горах, где они были растерзаны дикими зверями.

Следующий, девятый подвиг Геракл совершил по требованию Адметы, дочери Эврисфея. Ей захотелось получить пояс, который бог войны Арес подарил царице амазонок Ипполите. Она носила его как знак своей власти над амазонками. Геракл послушно отправился в страну амазонок, но все же сражаться с женщинами ему не захотелось, и он просто попросил у Ипполиты ее пояс. Не в силах отказать герою, Ипполита отдала ему пояс. Однако Гера, мать Эврисфея, недовольная тем, что Геракл получил пояс без всякого труда, приняла облик одной из амазонок и пустила слух, что Геракл хочет похитить Ипполиту. Амазонки поверили и, желая защитить свою царицу, напали на Геракла. Он вынужден был обороняться. В бою погибли и Ипполита, и много амазонок, а пояс Ипполиты достался Адмете.

Интересны мифы о Геракле, которые повествуют о его детстве и юности. Юному герою старались дать приличное образование, чтобы он стал не только отличным воином, но и просвещенным человеком, мог разбираться в искусствах. Но Геракл не отличался прилежностью. Страдали от этого прежде всего педагоги. Однажды, разозлившись на своего учителя музыки, который вздумал сделать ему замечание, Геракл одним ударом кифары убил его. Зевс, опасаясь, чтобы Геракл не натворил новых бед, послал его пасти коров на гору Киферон, где в то время обитал страшный лев, пожиравший домашний скот. Геракл выследил его, соорудил дубину из оливы и одним ударом убил льва. Победой надо львом закончилось счастливое детство Геракла.

Геракл снял со льва шкуру и надел на себя, связав львиные лапы узлом на груди, а морду льва надел на свою голову. С тех пор он всю жизнь вместо шлема надевал львиную морду, а тело защищал львиной шкурой. Именно в таком образе были найдены во время раскопок все скульптуры Геракла. 

Голова Геракла в коллекции Боргезе является мраморной копией бронзового оригинала, который был создан в 4 веке до н.э. Лисиппом, любимым скульптором Александра Македонского. Самой значимой работой Лисиппа считается колоссальная скульптура «Фарнезский Геракл», оригинал которой хранится в термах Каракаллы, а лучшая мраморная копия – в Национальном археологическом музее Неаполя. Лисипп творил с удивительной легкостью и был необычайно продуктивен. Рассказывают, что он, после того как заканчивал работу над скульптурой, бросал одну золотую монету в копилку, в которой после его смерти нашли свыше полутора тысяч монет.

Сюжет картины «Андромеда» взят из «Метаморфоз» древнеримского поэта Овидия, и рассказывает о том, как Персей спасает Андромеду, прикованную к скале на морском берегу. Андромеда должна была искупить вину своей матери, Кассиопеи, которая прогневала морских нимф тем, что сказала, будто она прекрасней всех. Интересен автор картины – Рутилио Манетти из Сиены, имя которого в феврале 2024 года прозвучало на первых полосах многих мировых СМИ. Речь шла о замминистре культуры Италии Витторио Сгарби, которого обвинили в хищении картины Рутилио Манетти «Пленение Святого Петра». Она исчезла из замка в Пьемонте более 10 лет назад, а 2021 году была выставлена на выставке в Лукке в качестве экспоната из личной коллекции Витторио Сгарби.

Во времена античной Греции скульптуры Аполлона, как одного из самых важных божеств, встречались повсеместно. К сожалению, сохранилось их немного. В музеях чаще выставляются их мраморные копии, сделанные в Римской империи, но и они достойны восхищения. Немецкий поэт Генрих Гейне писал в стихотворении «Бог Аполлон»:
«Я – Аполлон, бог музыки,
Прославленный повсюду.
Был на Парнасе в Греции
Мой храм, подобный чуду
Я прогнан был из Греции,
Скитаюсь на чужбине,
Но в Греции, но в Греции
Душа моя доныне»

Как правило, Аполлона изображали в виде прекрасного юноши, обнаженного или в длинной одежде, в лавровом венке и с кифарой (лирой) в левой руке (отсюда его прозвище – Аполлон Кифаред). Русский поэт Сергей Соловьев в стихотворении «Аполлон с кифарой» писал:
«Былой тоской, любовью старой
Душа больна. Уныл, суров,
Один, с печальною кифарой,
Брожу, тоскуя, средь лесов» 

Аполлон Кифаред – одна из самых ранних форм изображения Аполлона. Во времена Римской империи такими скульптурами украшали частные виллы и бани, как олицетворение безмятежной жизни хозяина.

Канфар (кубок для вина) и кратер (сосуд для разбавления вина) в руках обнаженного юноши говорят о том, что перед нами юный Дионис, древнегреческий бог вина и плодородия. Его кубок так и призывает: «Выпей меня!», «Налей неразбавленного!». Обычай греков, перешедший затем к римлянам, разбавлять вино водой возник отнюдь не потому, что они хотели уменьшить крепость или сладость напитка. Зная о древних обычаях, о которых даже Пушкин писал в «Вакхической песне»: Подымем стаканы, содвинем их разом! Да здравствуют музы, да здравствует разум!», трудно себе представить, что эти люди были слабы на выпивку. Ответ кроется в другом – вина того времени были настолько густыми, что их можно было есть ложкой. Заблуждение о том, что вина в древности были текучими подобно современным, так глубоко укоренилось, что даже такой знаток вина как Пушкин в стихотворении «Вода и вино» выразил свое крайнее недовольство разбавлением вина:
«Да будет проклят дерзновенный,
Кто первый грешною рукой,
Нечестьем буйным ослепленный,
О страх!.. смесил вино с водой!»

Галерея Боргезе – это место, в котором вырос гениальный Бернини во всех смыслах этого слова. Здесь он начинал творить в мастерской своего отца, знаменитого в те времена скульптора Пьетро Бернини, здесь он учился, занимаясь вместе с отцом реставрацией выдающихся античных скульптур в коллекции кардинала Шипионе Боргезе. «Эней, Анхис и Асканий» – это первая из четырех скульптур, заказанных кардиналом молодому, но уже признанному скульптору. Выдающийся британский историк и теоретик искусства Рудольф Виттковер отмечал, что четыре скульптуры Бернини «открыли новую эру в истории европейской культуры». Бернини едва исполнилось 20 лет, когда он начал работать над скульптурной группой «Эней, Анхис и Асканий», поэтому не удивительно, что по стилю она напоминает работы других мастеров. Так, в обработке мраморных фигур просматривается влияние его отца. Моделью для фигуры Энея, скорее всего, послужила скульптура «Христос с крестом», созданная Микеланджело. Собственный стиль у Бернини проявился лишь в его более поздних работах.

Сюжетом для скульптуры «Эней, Анхис и Асканий» послужила история из поэмы «Энеида» в 12 томах, созданная римским поэтом Вергилием. Целых десять лет Вергилий работал над поэмой о троянце Энее. Завершения этого труда ждала едва ли не вся Римская империя. Но обнародовать свою поэму Вергилий не торопился. Он решил сначала побывать в тех местах, откуда его герой Эней начинал свои странствия. Однако во время путешествия поэт смертельно заболел. Чувствуя, что не успевает завершить поэму, он приказал ее уничтожить. Предсмертную волю Вергилия запретил исполнять римский император Август и приказал обнародовать все 12 томов поэмы «Энеида». Это стало одним из величайших его решений и не удивительно, ведь Август был едва ли не главным героем поэмы.

Сегодня благодаря именно этой поэме Вергилий считается отцом европейской литературы. В Древнем Риме «Энеиду» усердно штудировали не только школьники, но и монахи, и университетские школяры. Даже на стенах домов Помпей, разрушенных Везувием, сохранились тщательно написанные строки из поэмы. Не обошли ее вниманием и всемирно известные поэты (Афанасий Фет, Валерий Брюсов, Иоганн Гете), переведя поэму на свои языки. Всем был интересен трагический образ Энея, в который Вергилий вложил философское понимание того, что богов не проведешь. В лучшем случае можно попробовать узнать их замысел, чтобы избрать для себя верный маршрут и безопасную линию поведения в жизни. Эней поверил богам. Поэтому, когда ему явилась мать-Венера и сказала: «Троя обречена, спасай отца и сына!», он не стал играть с судьбой.

Бернини воплотил в мраморе трагический момент жизни легендарного героя, покидающего горящую Трою после того, как ее захватили греки. Эней выносит на плечах своего старика-отца Анхиса, который не выпускает из рук сосуд с прахом предков, украшенный скульптурками пенатов (богов-хранителей домашнего очага). Рядом с ним идет его сын Асканий, освещая путь священным огнем из храма Весты, богини домашнего очага. Жена Энея погибла в огне Трои. Историю про Энея очень любили древние римляне, они считали его прародителем близнецов Ромула и Рема, основателей их Вечного города.

Создавая мраморные фигуры различных возрастов, Бернини продемонстрировал свой истинный талант в изображении текстуры тела. Отчетливо видно, что у ребенка бархатистое тело, у легендарного Энея – упругое, у старика – морщинистое. Особенно выразительно создано в мраморе движение Энея с отцом на плечах – мышцы и сухожилия выглядит натурально, а согнутое колено смотрится именно так, как и должно при подъеме тяжести. В поэме Вергилия «Энеида» нет детального описания того, как именно Эней нес своего отца, покидая горящую Трою. Работая над положением тел, Бернини использовал идеи скульптурных произведений, выполненных другими мастерами. Искусствоведы считают, что примером для скульптуры «Эней, Анхис и Асканий» скорее всего послужило изваяние «Похищение Сабинянок» фламандского скульптора Джамболонья.

В 17 веке в искусствоведческих кругах начались споры, относительно авторства скульптуры. Немецкий художник и историк Иоахим фон Зандрарт утверждал, что скульптура «Эней, Анхис и Асканий» является плодом совместного творчества Пьетро Бернини и его сына Джованни Лоренцо Бернини. Современник и биограф Бернини, Филиппо Бальдинуччи, опровергал эту версию. При этом Доменико Бернини, сын скульптора, утверждал, что его отец работал самостоятельно. Искусствоведы обсуждали этот вопрос до середины 20 века. Споры стихли после того, как были обнаружены документы, подтверждающие, что Джованни Лоренцо Бернини – единственный автор скульптуры «Эней, Анхис и Асканий».

Скульптуру «Истина» критики относят к одной из редких неудач в творчестве Бернини. Мастер работал над ней в тот трудный жизненный период, когда его обвинили в ошибках при строительстве колоколен собора Святого Петра. Обвинили, как оказалось, совершенно напрасно. Тем не менее, репутация гения серьезно пострадала. По свидетельству Доменико Бернини, писателя и сына мастера, отец задумывал скульптуру «Истина» как художественный комментарий к несправедливому обвинению. Бернини решил создать скульптурную группу «Истина, раскрытая Временем» из двух персонажей – Истины и Времени, которое ее обнажает. Однако вторая фигура так и не была им завершена. Сегодня мы видим одинокую Истину в виде обнаженной молодой женщины с солнцем в руке, которая сидит на камне в манерной позе, опираясь ногой на земной шар. 

Хотя иконографический тип «Истины» соответствовал церковным канонам того времени, но все же его воплощение иначе, чем насмешкой мастера, не назовешь. Насмешку выражает не только лицо молодой женщины с блаженной гримасой, но и ее длинные крючковатые пальцы левой руки, и несоразмерно большие стопы. Внушительный размер скульптуры только усилил важность аллегорического замысла, как будто образ Истины возвысился над низменностью людского бытия. Работа над этой скульптурой помогла Бернини выйти из душевного застоя, и вскоре мастер создал шедевр «Экстаз святой Терезы Авильской» для алтаря церкви Санта-Мария-делла-Виттория, который не только утвердил победу его гениальности над злоязычием врагов, но и вернул имя величайшего скульптора всех времен. В своем завещании Бернини указал о том, что «Истина» должна перейти по наследству его потомкам. До 1924 года она находилась в собственности семьи Бернини, а затем была выкуплена правительством Италии для галереи Боргезе.

Скульптура «Спящий Гермафродит» – одна из 20 римских копий греческого оригинала, созданного во 2 веке до н.э. Самые известные копии сегодня хранятся в галерее Уффици Флоренции, Эрмитаже Санкт-Петербурга, Национальном музее Рима, галерее Боргезе и в парижском Лувре. Скульптура, найденная в 1608 году, украсила коллекцию Шипионе Боргезе, получив название «Гермафродит Боргезе». Именно для этого Гермафродита Бернини создал знаменитое ложе, которое впоследствии копировали многие мастера. В 1807 году Наполеон Бонапарт выкупил значительную часть коллекции Боргезе для Лувра, в том числе и «Спящего Гермафродита». Сегодня в галерее Боргезе представлена скульптура «Спящий Гермафродит», найденная в 1781 году и восстановленная итальянским скульптором Андреа Бергонди, который в подражание Бернини тоже создал для Гермафродита свое оригинальное ложе.

Согласно древнегреческой мифологии Гермафродит унаследовал от родителей, Гермеса и Афродиты, не только имя, но и невероятную красоту. Однажды он решил отдохнуть возле водного источника, в котором проживала нимфа Салмакида. Увидев красивого юношу, Салмакида страстно влюбилась в него и попыталась соблазнить, но Гермафродит отверг нимфу. Но коварная нимфа не сдалась. Дождавшись, когда Гермафродит пойдет купаться, она обвилась вокруг тела юноши и обратилась к богам, чтобы те соединили их в единое целое. Боги выполнили желание нимфы. «Стали не двое они по отдельности, – двое в единстве: то ли жена, то ли муж, не скажешь, – но то и другое», писал древнеримский поэт Овидий в поэме «Метаморфозы».

Скульптура «Спящий Гермафродит» предполагает круговой осмотр. С одной стороны зритель должен был видеть обнаженную женскую фигуру, лежащую в томной позе, а с другой – весьма натуралистично выполненные мужские гениталии. Однако сотрудники галереи специально расположили скульптуру у стены, чтобы зритель не мог видеть противоположную сторону, в которой раскрывается двойственная природа тела, мужская и женская. Шипионе Боргезе хранил «Спящего Гермафродита» в шкафу, чтобы такая неоднозначная сексуальность скульптуры не тревожила его чувствительных гостей.

Миф о Гермафродите был очень популярен в европейском искусстве. Именно поэтому потолок зала, в котором хранится скульптура «Спящий Гермафродит», расписан соответствующими фресками. Нимфа Салмакида и объект ее любви изображены римским художником Никола Бонвичини незадолго до их перевоплощения. Полунагие тела написаны по всем канонам классицизма. Сдержанный жест юноши и страстный жест увлеченной нимфы смотрятся как элегантные балетные позы.

Каюсь, не знала, что бюст кардинала Шипионе Боргезе создал Джованни Лоренцо Бернини, поэтому не сфотографировала его поближе. Оказывается, что именно этот бюст внес наибольший вклад в создание легенды о том, что Бернини был скульптором с исключительными способностями и создавал портреты в мраморе без натуры. У него была отличная визуальная память, поэтому ему было достаточно эскиза и предвидения желаемого эффекта светотени. С кардинальским бюстом у Бернини случился казус. Когда он приступил к заключительной фазе полировки мрамора, то обнаружил дефект в мраморном блоке в виде трещины, которая проходила через лоб бюста, что делало скульптуру явно непрезентабельной. Пришлось Бернини создать точную копию своего творения, для работы над которой ему понадобилось всего лишь три дня.

Я уже писала, что античная скульптура попадала в коллекцию кардинала Шипионе Боргезе прямо из мест многочисленных раскопок. Надо отметить, что он ревностно заботился о реставрации и хранении своих ценностей. Правда, иногда во время реставрации один античный персонаж легко превращался в другого. Так, скульптура женщины в длинном хитоне и плаще была создана во 2 веке как мраморный портрет некой матроны, а после реставрации в 1819 году мы видим Цереру, древнеримскую богиню урожая, ответственную за созревание злаков. Основным атрибутом Цереры всегда был пучок колосьев. Именно поэтому во время жертвоприношений ей подносили в основном свиней, смерть которых по мнению древних римлян была наиболее приятна для Цереры, ведь свиньи уничтожали посевы.

Богатейшая коллекция античной скульптуры из коллекции Боргезе представлена также скульптурными надгробиями. Известно, что эпоха Возрождения сосредоточила все главные чаяния человека на земле, тем самым отдалив его от небес. Хотя многие люди того времени еще сохраняли религиозную веру, но авторитет церкви падал. Количество искренне верующих сокращалось, все больше становилось людей, которые вспоминали о боге лишь в кризисные моменты жизни и перед смертью. Отсутствие каких-либо четких доказательств существования жизни после смерти усиливало желание людей оставить на земле долгую память о себе. 

Можно было, проявив героизм, достичь вечной славы и навсегда остаться в истории, но люди выбрали более легкий способ и стали возводить скульптурные надгробия. Ведь погребальные пространства в древнеримских городах были публичным местом. Через них проходили дороги, а потому их посещали не только родственники, но и путешественники, и случайные люди, которые могли остановиться около памятника, прочесть эпитафию (надгробную надпись) и полюбоваться скульптурным оформлением.

Надгробная скульптура в эпоху Возрождения прошла длительный путь развития. Как правило, умерший изображался спящим на своем саркофаге в ожидании страшного суда, который позволит ему навсегда приобщиться к жизни вечной. Обязательно должна просматриваться идея о невосполнимой утрате и тщетности земных упований. При этом, ничто, включая фигуру умершего, не должно давать надежду на воскрешение.

Изготовление надгробного памятника занимало от двух до двадцати лет. Время изготовления зависело от сложности монумента и платежеспособности заказчика. Наиболее богатые заказывали надгробные памятники из разноцветного мрамора или дорогих пород камня с позолоченной отделкой. Те, кто не мог позволить себе дорогой камень, просили мастера оживить поверхность камня цветными красками. Поклонники античности предпочитали белый мрамор. Самые богатые заказывали целые скульптурные группы, в которых присутствовали фигуры не только умерших, но и здравствующих родственников. При этом взгляды скульптурных фигур не должны были пересекаться.  

Неравное положение женщин и мужчин в обществе выражалось также в том, что умершие женщины значительно реже удостаивались надгробных монументов. Места их упокоения отмечались плитами из недорогого камня. Иногда им отводилось отдельное место среди захоронений членов ее семьи или общее с супругом. Еще меньше чем женских сохранилось детских надгробных монументов. Не смотря на многочисленные изображения младенца Иисуса и малышей-путти, мастера эпохи Возрождения не создавали детские портреты. Детей рождалось много, и умирали они часто, а потому интерес к ним возникал только тогда, когда они уже могли представлять интересы семьи. Юношеские портреты в 14-15 веках заказывали только для заочных знакомств при заключении брачных союзов. Лишь к концу 16 века появилось осознание уникальности и неповторимости ребенка, независимо от его возраста. 

Скульптура молодой женщины согласно описанию Джованни Герардо де Росси, римского архитектора и дизайнера, представляет Агриппину Младшую (мать императора Нерона, жену императора Клавдия и сестру императора Калигулы). Как писал древнеримский писатель Плиний Старший, она была красивой женщиной, но безжалостной, деспотичной и властной личностью. Ее терзала страсть к власти. Она даже отравила своего мужа Клавдия, чтобы привести к власти 16-летнего сына Нерона в надежде заполучить неограниченную власть над империей. Однако, Нерон сразу показал, что не нуждается в опеке матери и решил избавиться от нее. Увидев солдат, Агриппина поняла свою участь и подставила под кинжал свое чрево, давая понять, что раскаивается в том, что родила на свет такого сына. Тело матери Нерон сжег той же ночью. Рассказывали, что до того, как Нерон стал императором, Агриппине нагадали, что сын ее будет царствовать, но при этом умертвит свою мать, на что она ответила: «Пусть умерщвляет, лишь бы царствовал». Так в 43 года трагически закончилась жизнь уникальной матроны – правнучки, племянницы, сестры, матери и жены Римских императоров.

Римская скульптурная копия триединой богини Гекаты датируется вторым веком, а создание оригинала приписывается древнегреческому скульптору Алкамену, работавшему в Афинах в 5 веке до н.э. Греки верили, что богиня Геката влияет на судьбу человека, отвечая за его рождение, жизнь и смерть. Именно поэтому, начиная с 5 века она изображалась триединой – три фигуры, соединенные спинами, с лицами юной девы, женщины в возрасте и древней старухи. Гекату считают повелительницей ночных видений, чародейства и мрака, которая выходит на ночную охоту в сопровождении адских псов. 

Геката – одна из самых необычных богинь в плане изображения. Как правило, ее атрибутами являются два факела, проливающие свет на правду, кинжал и плеть, карающие порочных смертных, и ключи от входа в мир мертвых.
«И ты идешь, багровая, в раскате
Подземных гроз, ступая на гробы,
Треглавая, держа ключи судьбы,
Два факела, кинжалы и печати», – писал Максимилиан Волошин в сонете «Lunaria»
Известны также скульптуры Гекаты с растительными элементами. Ведь тис, кипарис, орешник, черный тополь и ива – все эти растения считались ее священным символом. Листья черного тополя, темные с одной стороны и светлые с другой, символизировали границу между мирами. Воскресающий тис (в его умирающем стволе вырастает новое дерево) ассоциировался с подземным миром. 

Скульптура «Данаида с чашей» посвящена одной из 50 дочерей Даная, царя греческого города Аргос, которому оракул предсказал гибель от руки зятя. В результате, по его распоряжению 49 дочерей из 50 убили своих мужей в первую брачную ночь, за что получили наказание – наполнять бездонную бочку водой в подземном царстве мертвых. Так веками и длится их бесплодная работа. Отсюда произошло выражение «работа Данаид» – бесплодная и нескончаемая. Только старшая дочь, ослушалась отца и не стала убивать своего мужа. История о Данаидах, которая произошла примерно за 775 лет до основания Рима, упоминается в юмористической повести советских писателей – братьев Стругацких «Понедельник начинается в субботу». В повести высмеиваются бюрократы и жулики в науке, которые в образе Данаид приказывают взламывать асфальт, который недавно приказывали уложить.

Скульптура «Ребенок с голубем» выглядит умиротворительно. Ведь с древних времен голубь считался символом мира. Даже в Ветхом Завете описывается, как Ной выпускал именно эту птицу из ковчега, чтобы убедиться в окончании Великого потопа. Всеобщее признание, как символ мира, голубь получил после завершения Второй мировой войны. Автором эмблемы «Голубь мира» стал испанский художник Пабло Пикассо, который создал ее для Всемирного конгресса сторонников мира, проводимого в 1949 году в Париже и Праге. Известно, что Пикассо любил голубей, всегда держал их в своем доме и даже дочь назвал Паломой, что на испанском языке означает «Голубка». Однако с сарказмом о них говорил: «Нежность голубки, какая ерунда! Они ведь очень жестокие. У меня были голуби, которые заклевали насмерть одну несчастную голубку, которая им не понравилась. Они выклевали ей глаза и разорвали на части, это ужасное зрелище! Хорош символ мира!».

Миф о Леде и Зевсе, который явился к ней образе лебедя, явно был излюбленным сюжетом в искусстве античной эпохи. Превращение в прекрасную птицу было не редкостью для героев древнегреческих мифов. Неудивительно, что даже всемогущий и любвеобильный Зевс прибегнул к трансформации, дабы соблазнить Леду. В результате появились братья Диоскуры, олицетворяющие утреннюю и вечернюю зарю, и Прекрасная Елена – абсолют женской красоты. Как гласит латинская эпиграмма: «Трое в этом яйце, но несхожий им выпадет жребий: Звездами двое взрастут, третья – Троянской войной». В 4 веке до н.э. древнегреческий скульптор Тимофей создал оригинал скульптуры, мраморная копия которой сегодня украшает галерею Боргезе. Изображение передает миф о том, как Зевс в образе лебедя упал в объятия Леды, якобы спасаясь от преследующего его орла.

«Будьте мудры, как змии, и просты, как голуби», говорится в Евангелие от Матфея. Именно змея на посохе бога врачевания Асклепия была его неизменным атрибутом. Легенда гласит, что однажды Асклепия пригласил критский царь Минос, чтобы воскресить своего умершего сына. Асклепий шел, опираясь на посох, и думал как помочь царю. Как вдруг его посох обвила ядовитая змея. Асклепий убил змею ударом посоха, но появилась вторая с какой-то травой в пасти. Трава воскресила убитую змею. Асклепий разыскал эту траву и воскресил царского сына. В 1948 году символ обвивающей чашу змеи официально был утвержден в качестве эмблемы медиков.

На многих изображениях возле Асклепия можно заметить маленькую фигурку в плаще с капюшоном. Это Телесфор, один из пяти сыновей Асклепия. Он был маленьким и малозаметным на фоне больших богов греческого пантеона, но от него зависела жизнь человека. Его считали гением выздоровления (Телесфор в переводе означает «приносящий пользу»). Он помогал людям восстановить утраченные во время болезни силы, дарил важный для выздоровления лечебный сон, успокаивал и приободрял.

Культ бога любви, которого римляне называли Амуром (Купидоном), а греки Эротом, был известен в глубокой древности. В античных сказаниях о происхождении Амура ничего не говорится, но в более поздних его упоминают как сына Венеры и Марса. Сохранились изображения Венеры, занимающейся воспитанием Амура, а также изображения Амура, наказанного за шалости. В поэме «Аргонавтика» греческого поэта Аполлония Родосского есть отрывок, в котором Венера жалуется на Амура: «Мое воспитание для него ничего не значит. Своенравный и дикий, он хихикает, когда я делаю замечание. Однажды, устав от его выходок, я пригрозила, перед всеми богами, что сломаю его стрелы и лук. Так это маленькое чудовище стало угрожать мне».

Амур действительно был мстительным и обожал пошалить, а потому пускал свои любовные стрелы, подобно слепцу, наудачу. Так появилось выражение «слепая любовь». Желая олицетворить эту идею, венецианский художник Тициан написал картину «Венера, завязывающая глаза Амуру», а Пушкин – сказку «Амур и Гименей»:
«Амур совсем, друзья, не слеп:
Но шалуну пришла ж охота,
Чтоб, людям на смех и назло,
Его безумие вело».
Как видим, мифы и сказки лежат в основе нашей человеческой культуры, которая не смогла обойтись без необъятной мифологической сокровищницы. 

Наши сны нередко нас так удивляют неожиданными сюжетами и загадочными предсказаниями, что невольно возникает сомнение, а не причастны ли высшие силы к рождению сновидений? Может, это боги создают сны и дарят нам возможность наслаждаться другой реальностью? Об этом повествует скульптурная композиция «Сон» фламандского мастера Гиллиса ван ден Влите. Три спящих малыша представляют детей бога сна Гипноса (от его имени произошел термин гипноз), который проносится над землей ночью и разливает из рога снотворный напиток, чтобы погрузить людей в сон. При этом три его сына (Морфей, Фобетор и Фантас) управляют различными сторонами наших сновидений. 

В древнегреческой мифологии считается, что Морфей погружает людей в мир истинных или лживых сновидений. С его именем связано выражение «в объятиях Морфея», а также название известного вещества. Фобетор и Фантас не отличаются любовью к людям. Один в зверином образе появляется в кошмарных сновидениях, а другой создает во сне фантасмагории (причудливые бредовые видения). Интересно, кто из них явился во сне русскому ученому Менделееву и показал периодическую систему химических элементов?

Нотку цвета и роскоши в коллекцию Боргезе добавляют статуэтки «Чернокожие охотники», созданные из лидийского камня, месторождения которого находились на территории древнего царства Лидия в Малой Азии (отсюда название). Лидийский камень также называют пробирным, так как с древнейших времен его использовали для определения качества пробы благородных металлов (некоторые мягкие металлы, к примеру золото, оставляют на его поверхности видимый след). Не удивительно, что первые золотые и серебряные монеты начали чеканить в Лидийском царстве. Считается, что камень обладает защитными свойствами и может использоваться от сглаза. Статуэтки из этого камня на рабочем столе помогают сохранять работоспособность и ясность ума на протяжении всего рабочего времени.  

Прежде, чем перейти к шедеврам живописи в коллекции Боргезе, хочу пояснить, что я не большой ее знаток и любитель. Я обожаю скульптуру. Как говорил великий французский писатель и философ Дени Дидро: «Скульптура – сильная муза, но молчаливая и скрытная». И в самом деле – понимать скульптуру несколько сложнее, чем живопись, но на мой взгляд скульптура более наглядно и красочно отражает окружающий нас мир.

«Леда и лебедь» – старинная копия утраченной картины, созданной Леонардо да Винчи, величайшим художником всех времен, несмотря на то, что сохранились только 15 его картин. Известно о нескольких копиях этой картины, но наиболее точной признано полотно из коллекции Боргезе. Леонардо да Винчи написал две картины «Леда и лебедь». Обе утеряны, однако сохранилось эскизы. На одном из них Леда представлена совершенно обнаженной, стоящей в полный рост и обнимающей лебедя за шею. При этом ее взгляд устремлен на детей, только что вылупившихся из яйца. Это Диоскуры – братья-близнецы Кастор и Полидевк. Из скрытого в траве яйца вот-вот должна появиться Елена Прекрасная. Картину «Леда и лебедь» Леонардо да Винчи написал между 1510 и 1515 годами в Милане, где он работал над самым известным в мире шедевром «Мона Лиза».

Живописная манера голландского художника Геррита ван Хонтхорста узнается сразу. Как и Караваджо, он использовал эффект светотени, за что в Риме его называли «Герардо ночной». На картине «Сусанна и старцы» Геррит ван Хонтхорст изобразил захватывающую историю о женщине по имени Сусанна и двух старцах возжелавших ее. История упоминается в книге пророка Даниила (части Ветхого Завета), но лишь в эпоху Возрождения она приобрела такую популярность, что каждый уважающий себя художник должен был написать картину на эту тему. Правда, многие использовали эту библейскую историю лишь как вполне богоугодный повод, чтобы изобразить обнаженное женское тело. В книге пророка Даниила рассказывается, что за купающейся Сусанной подглядывали старцы. Пытаясь добиться взаимности, они угрожали, что обвинят ее в прелюбодеянии. Сусанна не сдалась и за непослушание была приговорена к смерти. К счастью, появился пророк Даниил – лжесвидетели были уличены во лжи и казнены.

К древнейшей истории «Сусанна и старцы» дважды обращался фламандский живописец Питер Пауль Рубенс. В коллекции Боргезе хранится первый вариант картины, на которой старцы выглядят еще очень благообразно и уговаривают Сусанну отдаться им без шума. Красавица с ужасом смотрит на них. Рубенс мастерски передал эмоции на лицах персонажей. Контраст между цветущей молодостью и похотливой старостью придал картине необычайный драматизм. Известно, что Рубенс разработал свой узнаваемый стиль для изображения человеческих фигур. Мужские фигуры на его картинах всегда подтянуты, крепко сложены, широкоплечи, с развитой мускулатурой. Напротив, женщины отличаются крайней рыхлостью форм. Британский историк Кеннет Кларк писал, что среди художественных критиков считалось хорошим тоном покритиковать Рубенса как «художника, писавшего жирных голых баб», и более того, применять определение «вульгарных». При этом он подчеркивал, что пышные фигуры Рубенса – не что иное, как гимн благодарности за изобилие земных благ.

Работы Якопо Бассано, чья живопись относится к венецианской школе, – красочные, многофигурные и всегда наполнены движением. Мастер создавал плотные композиции с персонажами, изображенными в сложных позах, которые на его картинах выглядят вполне естественными. Так, Богоматерь на картине «Поклонение пастухов» стоит вполоборота к зрителю. Такой ракурс по замыслу Якопо Бассано должен передать зрителю ее тонкий и нежный профиль. Несмотря на то, что на картине мы видим всего лишь несколько пастухов, создается впечатление, что пришедших поклониться младенцу Иисусу очень много. На полотне нет свободного места. Красочная и многофигурная композиция с насыщенным колоритом иллюстрирует стихи из Евангелия от Луки: «Когда Ангелы отошли от них на небо, пастухи сказали друг другу: пойдем в Вифлеем и посмотрим, что там случилось, о чем возвестил нам Господь. И, поспешив, пришли и нашли Марию и Иосифа, и Младенца, лежащего в яслях...».  

Творчество Якопо Бассано жанрово разнообразно. Он писал пышные пейзажи, сцены из повседневной жизни, портреты, однако широкую известность ему принесли религиозные композиции, в которые он невероятно талантливо включал сцены крестьянского быта и изображения животных. Якопо писал их с натуры, наблюдая за фермерской жизнью в своем родном городке Бассано-дель-Граппа. Невероятно выразительно написана мордочка овцы на картине «Овца и ягненок». Любовь Якопо Бассано к таким сюжетам описал русский художник и критик Александр Бенуа: «Бассано всюду помещает любимых им животных: сытых, коротконогих деревенских лошадок, куцых собачонок, апатичных овец», а крестьяне его «часто лежат тут же на земле между коровами, которых доят, между овцами, которых стригут, среди кур и свиней. И всегда у Бассано на картинах уютно».

О художнике Джованни Джироламо Савольдо очень мало информации. Известно, что он родился в Ломбардии, но всю жизнь работал в Венеции. Его художественное наследие не велико. Как писал один из учеников Савольдо: «Он потратил жизнь на создание всего нескольких картин, при этом не стяжал себе славы». Савольдо оставил ряд превосходных портретов. Строгие и задумчивые персонажи на его портретах выделяются не только выразительным взглядом, но и роскошными одеждами из атласного шелка. К числу лучших работ Савольдо принадлежит портрет «Юноша», созданный в 1530 году. 

Лудовико Маццолино, мастер феррарской школы живописи, прославился религиозными камерными картинами, созданными с использованием ярких красок. На картине «Христос и грешница» Маццолино изобразил сцену из Евангелия от Иоанна. Женщину, схваченную за прелюбодеяние, фарисеи (учителя древнееврейской школы) привели к Иисусу, чтобы узнать мнение о вынесенном смертном приговоре. Хитрые фарисеи надеялись, что милосердный Иисус пощадит женщину, чем даст повод обвинить его в нарушении их закона. Но Иисус догадался о лукавстве фарисеев. Сначала он что-то писал на земле, делая вид, что не обращает на них внимания, а затем сказал: «Кто из вас без греха, первый брось в нее камень». Когда же фарисеи стали один за другим уходить, Иисус сказал женщине: «Я не наказываю тебя за твой грех, но хочу, чтобы ты покаялась – иди, и впредь не греши». Так, своим мудрым ответом Иисус показал свое милосердие и спас женщину.

На картине «Бичевание Иисуса Христа» феррарский живописец Бенвенуто Тизи изобразил один из эпизодов Страстей Христовых. Согласно Новому Завету, прокуратор Иудеи Понтий Пилат во время суда трижды отказывался предать Исуса Христа смерти. Уверенный, что Иисуса оговорили, он приказал его бичевать, стремясь этим разжалобить иудеев и удовлетворить жестокость его обвинителей. Бичевание относилось в Риме к мучительным наказаниям и ему подвергались только рабы и лица без римского гражданства. Причем количество ударов не ограничивалось. Считается, что Бенвенуто Тизи не удалось передать указания иконописцев по написанию этой сцены – «Два воина бичуют Христа, привязанного к колонне. По телу Его течет кровь». И только красный цвет, столь любимый Бенвенуто Тизи, говорит о драматизме столь жестокого наказания. 

Личность апостола Петра считается одной из центральных в Евангельском повествовании. Его образ оставил богатый след в церковной культуре, а потому всегда легко узнаваем, даже без своих главных атрибутов – ключей от Царства Небесного. Величественная, полная достоинства фигура апостола Петра четким силуэтом вырисовывается на позолоченном холсте кисти сиенского художника Марко Пино. Его взор, обращенный к небесам, напоминает о драматическом событии, которое случилось в ночь после ареста Иисуса. Как и предсказывал Иисус, Петр побоялся навлечь на себя гонения и трижды отрекся от него прежде, чем пропел петух. Позже Петр искренне покаялся и был прощен, но каждое утро, услышав петуха, вспоминал свое малодушное отречение от Иисуса и начинал горько плакать.

Ведущий художник феррарской школы живописи Баттиста Досси хорошо известен своим загадочным аллегорическим стилем. Ярким примером тому является его картина «Святое Семейство с маленьким Иоанном Крестителем». В Евангелии не упоминается о встрече Иисуса и Иоанна в младенчестве, но об этом рассказывают христианские предания, согласно которым Святое семейство после бегства в Египет проживало на берегах Нила, а маленького Иоанна для знакомства с родственниками принес из пустыни ангел. В Новом Завете говорится, что во время Вифлеемского избиения младенцев Иисус был спасен от кровожадного деспота Ирода благодаря бегству Святого Семейства в Египет, а Иоанна спрятала мать в пустыне. По замыслу художника жизнь Иоанна в пустыне символизирует тростниковый крест в руках и его грубая одежда. Известно, что он жил в пустыне до тех пор, пока Иисус не призвал его. 

Масштабное полотно «Положение во гроб» создал фламандский живописец Питер Пауль Рубенс в 1602 году в Риме, куда он прибыл с целью усовершенствовать мастерство. Поза Иисуса, найденная Рубенсом, – одна из самых больших его творческих удач. Последствия предсмертных мук и жестокой казни Иисуса переданы с пугающим натурализмом. Взгляд Девы Марии, обращенный в небо, и переживания Иосифа Аримафейского выглядят весьма искренне. И все же Рубенс остается Рубенсом. Даже изображая смерть Иисуса, он сумел показать красоту земной жизни, предлагая полюбоваться обнаженной грудью Марии Магдалины и ее золотистыми волосами, а также юным Иоанном Евангелистом в красном облачении. Такое слияние христианских и классических образов приводило в восторг его современников. Ничего подобного прежде не добивался ни один художник. «У каждого свой дар. Мой талант таков, что как бы огромна ни была работа по количеству и разнообразию сюжетов, она еще ни разу не превзошла моих сил», – писал Рубенс, чье наследие насчитывает около трех тысяч произведений.

«Цуккаро, твое перо так учено, как учена твоя кисть в собственном хвастовстве; и напротив, они намекают друг на друга с замечательным искусством», – писали о художнике и теоретике искусства Федерико Цуккаро его современники. Именно Федерико Цуккаро был главным противником приема Караваджо в Академию Святого Луки, убедив всех что внимание сведущих в живописи современников к Караваджо – это лишь следствие его экстравагантного характера, а не его таланта. Кто бы говорил! Картину «Мертвый Христос в окружении ангелов» Федерико точно скопировал у своего старшего брата Таддео Цуккари, у которого он работал помощником. Сюжет картины отражает религиозные тенденции 16 века, связанные с культом ангелов, который церковники пытались распространить в христианстве. Для чего им это было нужно, осталось одной из многих тайн нашего бренного и несовершенного мира.

Джузеппе Чезари написал много картин, и в свое время считался первым среди римских живописцев. Он открыл собственную школу, в которой среди его учеников самым заметным и удивительным был Караваджо. Джузеппе Чезари – именно тот художник, которого кардинал Шипионе Боргезе обвинил в незаконном хранении оружия, чтобы завладеть его коллекцией картин. Так, картина «Святой Иоанн Креститель» появилась в галерее Боргезе. Сюжет картины отсылает к жизни Иоанна в пустыне, которую художники изображали разными способами, иногда даже на фоне лесного пейзажа. Джузеппе Чезари удалось гармонично объединить религиозный жанр с пейзажным. 

Жан-Антуан Гудон, французский скульптор, один из самых знаменитых мастеров психологического портрета своей эпохи, запечатлевший в мраморе живые образы ключевых персон своей эпохи, среди которых аферист граф Калиостро, французский писатель и философ Вольтер, российская императрица Екатерина Великая, один из отцов-основателей США Бенджамин Франклин и первый президент США Джордж Вашингтон. Первыми работами, после которых о Гудоне заговорили, стали скульптуры «Святой Бруно» и «Иоанн Креститель». В галерее Боргезе хранится гипсовая скульптура «Иоанна Крестителя», которую мастер изготовил в качестве опытной модели. Чтобы получше подготовиться к этой работе, Гудон изучил в госпитале анатомию на трупах и создал из гипса «экорше» – скульптурное изображение человека без кожного покрова. «Экорше» Гудона было объявлено лучшей анатомической моделью из всех известных. Сегодня копии «Экорше» являются незаменимым учебным пособием в художественных академиях и школах. К сожалению, мраморную скульптуру «Иоанн Креститель» Жан-Антуан Гудон так и не создал.

В заключение хочу сказать, что посетить галерею Боргезе нужно обязательно. Любите вы искусство или нет, но масса впечатлений гарантирована. Ведь никакое фото не передаст застывшие в камне эмоции.