Лувр глазами моей дочери
Приехать в Париж и не посетить Лувр – конечно же, моветон. К сожалению, времени нам не хватило, а потому будем смотреть шедевры Лувра глазами моей дочери. Фотографий, по моим меркам, у нее немного, но она считает, что наслаждение красотой в моменте гораздо важнее, чем погоня за идеальным кадром. На мой взгляд, истина посередине – важно и ценить момент, и иметь возможность запечатлеть его. Главное во время фото и видео деятельности не упустить момент наслаждения, ради которого ты, собственно, и отправляешься в путешествие.
Одним из самых роскошных залов в Лувре считается галерея Аполлона, помпезность которой придает великолепная потолочная роспись «Аполлон убивает змея Пифона», созданная Эженом Делакруа, одним из самых известных французских художников. Главным архитектором галереи Аполлона был назначен Луи Лево, придворный архитектор Людовика XIV, в то время как Шарль Лебрён, один из создателей «большого стиля» эпохи царствования Людовика XIV, получил заказ на ее художественное оформление. Многочисленные барельефы, гобелены и фрески галереи Аполлона призваны были увековечивать только одно имя – имя «короля-солнца» Людовика XIV. Именно ему пришла идея назвать в честь Аполлона галерею, которая впоследствии послужила образцом создания Зеркальной галереи в Версальском дворце, где культ Людовика XIV достиг своего апогея.
По замыслу Шарля Лебрёна сюжет иконографии в галерее Аполлона должен символизировать высшие ценности человеческой жизни. Один из арочных порталов украшен фреской «Триумф Кибелы» с изображением богини, олицетворяющей силу природы, плодородия и материнства. Стены галереи декорированы портретными гобеленами с изображениями персон, которые в течении многих веков строили и оформляли Лувр. Слева от двери расположен портрет Эсташа Лесюэра, художника, названного «французским Рафаэлем», справа – Клода Перро, архитектора и ученого, брата известного сказочника Шарля Перро.
Плафон галереи Аполлона украшен картинами, символизирующими времена года. На картине «Зима», созданной французским живописцем Жан-Жаком Лагрене, изображен бог ветров Эол, который выпускает ветер, чтобы покрыть горы снегом. Согласно древнегреческому сказителю Гомеру бог Эол запирал ветра в пещере и выпускал их только по приказу старших богов, чтобы подарить морякам попутный ветер или наслать страшный губительный шторм. Картину «Зима» украшают две скульптурные музы, символизирующие земную страсть и небесное познание – Эрато (муза любовной и лирической поэзии) и Урания (муза астрономии).
Красота галереи Аполлона, конечно, завораживает, но красота королевских драгоценностей – это просто что-то невероятное. 23 предмета из сокровищницы французской короны, которыми сегодня владеет Лувр, собраны именно в этом зале. Кстати, идея устроить в галерее Аполлона выставку коллекций тоже принадлежала Людовику XIV. Его страстью были вазы из драгоценных камней, но с приобретением Людовиком XV бриллианта «Регент», одного из самых известных в мире, весом 140,64 карата, коллекция вышла на новый качественный уровень. В разгар Великой французской революции, в 1792 году, драгоценная сокровищница была разграблена полностью. Наполеон Бонапарт успешно ее восстановил, а Наполеон III пополнил новым шедеврами (фото с сайта https://www.louvre.fr).
К сожалению, утром 19 октября 2025 года 8 из 23 предметов, относящихся к украшениям эпохи Наполеона Бонапарта и Наполеона III, были похищены. К счастью, уцелел знаменитый бриллиант «Регент» и недалеко от Лувра была обнаружена поврежденная корона императрицы Евгении с 1354 бриллиантами (на фото выше). Но искренне надеемся, что скоро вернется в Лувр:
– сапфировый комплект (тиара, ожерелье, сережки) королевы Марии Амалии (№1-3);
– изумрудный комплект (ожерелье, сережки) Марии-Луизы, жены Наполеона Бонапарта (№4,5);
– диадема императрицы Евгении с 212 жемчужинами и 1998 бриллиантами (№6);
– корсажная брошь-бант императрицы Евгении с 2634 бриллиантами весом 140 карат (№7);
– брошь-реликварий императрицы Евгении с 94 бриллиантами, включая два крупных алмаза, которые Людовик XIV использовал в качестве пуговиц на камзоле.
Оригинальные интерьеры Лувра, за исключением нескольких залов в апартаментах Наполеона III, не сохранились. В повседневной жизни и в отношении себя Наполеон III был менее склонен к демонстративной роскоши, чем Наполеон Бонапарт, но на придворную роскошь смотрел, как на средство своей императорской власти. Обладая огромными, по тем временам, финансовыми и людскими ресурсами, он успешно реализовал несколько масштабных проектов и подарил миру великолепный Второй ампир (empire – империя), стиль монументальности, величия и роскоши с обилием мебели, ценных тканей, зеркал и осветительных приборов.
Апартаменты Наполеона III считаются витриной французской роскоши и демонстрацией работ от лучших дизайнеров того времени. Задавала тон императрица Евгения, супруга Наполеона III. Вся эта красота отражает именно ее вкус. Главной резиденцией императорской четы в то время был дворец Тюильри, а залы Лувра использовались только для государственных приемов, во время проведения которых всем сразу становилось ясно, что власть императора Франции практически безгранична. В апартаментах Наполеона III выделяется большая парадная гостиная или Гранд Салон, обставленный массивной золоченой мебелью, обитой гобеленами безукоризненного качества, созданными на мануфактуре «Бове», предприятии, приобретенном Людовиком XIV в 1664 году (работает и в настоящее время).
Главным украшением Гранд Салона считаются стильные двойные кресла в форме буквы S и тройные кресла в форме клеверного листа, позволяющие людям разговаривать друг с другом, не поворачивая головы. На потолке, богато декорированном золотом, выделяются массивные хрустальные люстры завода «Baccarat», созданного в 1764 году по указу Людовика XV. Первая хрустальная люстра была изготовлена в 1827 году, а уже в конце 19 века завод «Baccarat» стал мировым лидером по производству элитного хрусталя. Заказчиком хрустальных люстр и посуды «Baccarat» наряду с европейскими монархами стал и Российский императорский дом. Причем, заказов от русских было так много, что заводскую печь французы прозвали русской.
С 1990 года компания «Baccarat», в дополнение к производству хрусталя, начала выпускать под своей маркой парфюмерию. Аромастилисты считают, что, если и есть аромат, который успешно уловил дух времени, то это изысканный аромат «Baccarat Rouge 540» в хрустальных флаконах, созданный в честь 250-летнего юбилея завода «Baccarat». Свое название аромат получил не случайно. Ведь, чтобы получить легендарный красный оттенок хрусталя, шихту с порошком 24-каратного золота нужно расплавить в печи при температуре 540 градусов. Именно поэтому в названии духов присутствует цифра 540. Завод «Baccarat» по сей день производит хрустальные роскошные изделия, правда, в 2005 году акции завода были проданы инвестиционному фонду «Starwood Capital Group» (США).
Наследие Наполеона III переоценить трудно. Он оставил после себя процветающую Францию, в государственном устройстве которой смог объединить принципы народного суверенитета и монархической (диктаторской) власти. Кстати, принципы, весьма популярные сегодня среди многих правителей. Но история часто несправедлива. Почему, к примеру, Наполеон Бонапарт, проиграв в 1815 году сражение при Ватерлоо, стал легендой, а Наполеон III, потерпев поражение во время франко-прусской войны 1870 года, превратился в вечного изгоя? Почему современный Париж, которым так гордятся его жители и восхищаются туристы, считается только достоянием Франции, а человек, который смог сотворить это архитектурное чудо, так и не нашел упокоения на родине? Почему в истории строительства Суэцкого канала, одного из ярчайших технических достижений цивилизации, даже не упоминается имя Наполеона III, как главного вдохновителя и покровителя этого проекта? Правление Наполеона III, первого президента и последнего монарха Франции, в итоге оказалось катастрофичным. То, что он делал во внешней политике, было не более чем авантюрой, почти уничтожившей авторитет Франции на политической арене. Место Франции в Европе заняла созданная в те времена Германская империя, государство, с которым французам придется столкнуться на полях Первой мировой войны.
В Лувре нет экспонатов не выдающихся. Но самое завораживающее воздействие на зрителей оказывает знаменитый портрет «Мона Лиза» или «Джоконда», созданный гениальным ученым и флорентийским художником Леонардо да Винчи. При этом, чтобы увидеть его, нужно отстоять очень длинную очередь. Когда же, утомленный ожиданием зритель, наконец-то, добирается до портрета, то обнаруживает, что толком его и не разглядеть – небольшое по формату полотно смотрится в огромном зале почти как почтовая марка. К тому же, портрет закрыт барьером и пуленепробиваемой панелью, да и времени выделяется недостаточно, чтобы уловить чарующий взгляд Джоконды. А ведь по задумке великого мастера Леонардо да Винчи между Джокондой и зрителем, рассматривающим ее портрет, должна возникать эмоциональная близость. Увы!
Портрет «Джоконды», написанный примерно в 1505 году, обрел всемирную славу только после того как в 1911 году его похитил из Лувра итальянский художник-декоратор Винченцо Перуджа. Позже, объясняя свой поступок, он рассказывал, что влюбился в улыбку Джоконды, потому что она напомнила ему «улыбку его подруги детства». В течение двух лет, пока Винченцо скрывал украденный портрет, парижане выстраивались в очередь, чтобы увидеть пустое место на стене музея. В итоге, при попытке продать портрет во Флоренции Винченцо арестовали и приговорили к одному году тюрьмы. С тех пор «Джоконда» покидала Лувр лишь дважды – на выставку в США (1963 год), Японию и Советский Союз (1974 год).
Леонардо да Винчи оставил миру не просто портрет женщины, а загадку. Таинственная улыбка «Джоконды» стала предметом вдохновения многих творческих натур. Улыбается «Джоконда» или нет? Отчасти. Ведь восприятие тех или иных эмоций, как и красоты, зависит исключительно от нашего эмоционального состояния. «В песне разгадка дается тайны улыбки, а в ней женское племя смеется над простодушьем мужей», – прикалывался над улыбкой «Джоконды» Владимир Высоцкий в стихотворении «Про любовь в эпоху Возрождения». Как видите, тайна «Джоконды» – это результат наших интерпретаций, гадать не стоит, лучше просто восхититься мастерством великого гения.
Галереи Лувра украшают тысячи скульптур, созданных поистине самыми знаковыми мастерами мира, но их размещение неприятно удивляет. Зная необыкновенную способность французов придавать блестящий вид самому невзрачному товару, создается впечатление, что скульптуры в Лувре не имеют той любви, которая поражает, к примеру, в Эрмитаже Санкт-Петербурга. К примеру, явно видно, что «Дама под вуалью» создавалась венецианским мастером Антонио Коррадини не для кругового обзора, она рассчитана только на фронтальное восприятие.
Эффект вуали в мраморной скульптуре не один век поражает тех, кто видит это чудо. Достичь совершенства в этой сложной технике удалось лишь немногим мастерам. Первым был Антонио Коррадини. Именно он смог достоверно отобразить в мраморе каждую складочку прозрачной ткани, сквозь которую просвечиваются прекрасные очертания женского лица и тела. «Дама под вуалью», приобретенная музеем Лувра в 1976 году, считается малоизвестной работой Антонио Коррадини. Самая знаменитая его скульптура с эффектом вуали называется «Целомудрие» и сегодня хранится в капелле Сан-Северо в Неаполе.
Известная античная композиция «Силен с младенцем Дионисом» олицетворяет лесного демона Силена, нежно держащего на руках младенца Диониса, бога виноделия и религиозного экстаза. В Лувре представлена римская мраморная копия, датируемая 2 веком, с греческого бронзового оригинала, созданного примерно в 300 году до н.э. древнегреческим скульптором Лисиппом и его учениками. В искусстве Силен имеет два совершенно различных типа. Чаще ему придаются тучные формы и веселый, нетрезвый вид. Но Силен, как воспитатель и приемный отец Диониса, должен отличаться атлетическим телосложением, выглядеть трезвым и добродушным.
«Спящий Гермафродит» (римская копия древнегреческой скульптуры 2 века до н.э.) был найден при раскопках в Риме в 1608 году. Скульптор неизвестен, но предполагается, что он изобразил сына Гермеса и Афродиты, о чем свидетельствует имя Гермафродит. Археологическая находка сразу же стала частью знаменитой коллекции кардинала Шипионе Боргезе, получив название «Гермафродит Боргезе». В 1620 году гениальный скульптор Джованни Лоренцо Бернини создал для «Спящего Гермафродита» мраморный матрац с пуговицами, который получился настолько реалистичным, что всякий раз подаешься соблазну прикоснуться к нему. В 1807 году Наполеон Бонапарт вынудил принца Камилло Боргезе, который женился на его сестре Полине Бонапарт, продать 695 экспонатов для Лувра, в том числе и «Спящего Гермафродита».
Согласно легенде, изложенной в поэме «Метаморфозы» древнеримским поэтом Овидием, 15-летний Гермафродит отправился в путешествие и по дороге решил искупаться в озере, где его увидела нимфа Салмакида и страстно влюбилась. Однако ее чувства были отвергнуты юношей. Тогда Салмакида попросила богов навеки соединить ее с Гермафродитом в единое целое. Боги желание исполнили, и во время купания в озере объединили их в одно существо, обладающее одновременно и мужскими, и женскими признаками.
Скульптура «Спящий Гермафродит» предполагает круговой обход – с одной стороны мы видим обнаженную женскую фигура в томной позе, а с другой – натуралистично созданные мужские признаки. Это полностью отражает античный миф и платоническую философию, конечно, если иметь представление об учении древнегреческого философа Платона. Думаю, что большинство зрителей даже не думают о философии, а воспринимают скульптуру «Спящего Гермафродита» как причудливую игру природы. Свои чувства, после посещения Лувра, описал английский поэт Алджернон Чарльз Суинбёрн в поэме «Гермафродит»: «Любовь тела сливает воедино; она войти и в твой хотела дом, но у порога женщина с мужчиной, как грех и смерть, дежурили вдвоем...».
Самой известной среди найденных скульптур Афины, богини мудрости, справедливой войны и стратегии, является та, что хранится в Лувре. Ее нашли среди руин римской виллы недалеко от древнего города Веллетри, отсюда произошло и название скульптуры – «Афина Веллетри». Все дошедшие до нас экземпляры являются копиями бронзового оригинала, созданного в 430 году до н.э. древнегреческим скульптором Кресилом. «Афина Веллетри» – это классический образ богини в шлеме и плаще, отороченном змеями. По версии римского поэта Овидия, изложенной в поэме «Метаморфозы», Медуза Горгона была так прекрасна, что ее красотой прельстился сам Посейдон, бог морей и океанов, и насильно овладел ею, причем в храме Афины. За осквернение храма пострадала только Медуза Горгона – Афина в ярости превратила ее прекрасные волосы в ядовитых змей и затем поместила их на свою одежду в качестве защиты.
Скульптура «Венера Милосская» (в греческой традиции – Афродита) с острова Милос, является одной из самых известных в мире. Предположительно она была создана между 130 и 100 годами до н.э. древнегреческим скульптором Александром Антиохийским, о чем свидетельствовала надпись «…Сандрос из Антиохии-на-Меандре» на ныне утерянном постаменте. Изящная фигура богини любви и красоты очаровывает мир уже более двух столетий с момента ее обнаружения в 1820 году на греческом острове Милос. Скульптуру, замурованную в нише стены, на руинах древнего города обнаружил крестьянин-грек, когда возделывал свое поле. В то время в бухте Милоса стояли французские корабли. Узнав об археологической находке, экипаж корабля сразу же уведомил о ней французского консула, который оперативно организовал покупку и доставку скульптуры в Париж. Прекрасная находка, в основном, хорошо сохранившаяся, была подарена Людовику XVIII, а затем передана в Лувр. Отсутствие рук, в которых «Венера Милосская» могла держать характеризующие ее атрибуты, до сих пор создает почву для многочисленных гипотез. Основной версией принято считать, что в одной руке Венера держала яблоко, победный трофей суда Париса. Согласно древнегреческой легенде, среди трех богинь (Гера, Афина и Афродита) выбирали самую красивую. Троянский царевич Парис назвал Афродиту самой прекрасной и присудил ей приз в виде золотого яблока, что в итоге стало причиной начала Троянской войны.
Скульптурная группа, созданная генуэзским мастером Джакомо Антонио Понсонелли в 1690 году, иллюстрирует популярную в 17 веке аллегорическую тему «Время открывает Истину», где крылатый старец олицетворяет Время, молодая девушка – Истину, а путти с песочными часами – течение времени. Эта аллегория утверждает, что, несмотря на все попытки обмана, ложь рано или поздно будет разоблачена, и только время способно показать подлинный ход вещей. «Мы всегда должны ждать, пока пройдет какое-то время, ибо время открывает истину», – писал в 4 веке до н.э. римский философ Луций Анней Сенека в «Нравственных письмах к Луцилию».
«Умирающий раб» и «Восставший раб» были созданы между 1513 и 1519 годами Микеланджело Буонарроти, одним из известнейших скульпторов, живописцев и архитекторов всех времен. На фото представлен только «Умирающий раб», но именно эта скульптура, исполненная в те годы, когда окончательно сформировался трагический смысл искусства Микеланджело, показывает образ героя, фатально обреченного на поражение в борьбе с непреодолимой враждебностью мира. Обе скульптуры предназначались для гробницы папы Юлия II в соборе Святого Петра в Ватикане, но в окончательный проект не вошли и были подарены королю Франции Франциску I.
Скульптуры рабов воспринимаются зрителем как противопоставление двух юношей – сильного и прекрасного, пытающегося разорвать веревки, и столь же прекрасного, но смирившегося со своей судьбой. «Умирающий раб» вызывает сочувствие к его страданиям перед лицом смерти, и заставляет задуматься о смысле жизни. Смысл – многогранный и вечный. Сам Микеланджело не придавал большого значения аллегориям своих скульптур. Главным для него была пластика человеческого тела, в котором он стремился передать не только глубокие переживания раба, но и его духовную силу.
Лицо «Умирающего раба» выражает не только страдание, но и спокойствие перед неминуемой смертью. Юноша побежден, он словно пытается подняться в последнем душевном взлете, но в бессилии замирает, склонив голову под заломленной назад рукой. Он не рвет свои веревки – он погружается в состояние, одинаково похожее и на смерть, и на сон. Неслучайно эта скульптура имеет и другое название – «Засыпающий раб», которому Микеланджело посвятил такие строки: «Я словно б мертв, но миру в утешенье я тысячами душ живу в сердцах всех любящих, и, знай, что я не прах, и смертное меня не тронет тленье».
Крылатая богиня «Ника Самофракийская» – один из самых знаменитых в мире шедевров Лувра. Скульптурные куски богини были найдены французскими археологами на острове Самофракия в 1863 году, но к сожалению, головы и рук среди них не было. При этом, ее пластическая красота такова, что даже не задумываешься об отсутствующих частях, а ее расположение, как говорят, с любовью, только усиливает впечатление. «Ника Самофракийская» установлена на мраморном пьедестале, символизирующем носовую часть корабля. Кажется, еще мгновение, и она взлетит над полем битвы, чтобы наградить победителей лавровыми венками.
Имя автора, время и мотив создания «Ники Самофракийской» до сих пор точно не установлены. Частично сохранившаяся надпись в основании скульптуры содержит слово «Rhodios», дающее основание предположить, что она изначально была воздвигнута во II веке до н.э. в честь победы родосского флота в одном из морских сражений.
Революция всегда застает всех врасплох и вызывает разную реакцию – одни присоединяются к толпе, другие наблюдают из дома, а третьи посвящают ей свои произведения. Монументальная картина «Свобода, ведущая народ», написанная гениальным французским художником Эженом Делакруа, посвящена революционным событиям июля 1830 года, вошедшим в историю Франции под названием «Три славных дня». Эжен Делакруа в уличных боях не участвовал, но искренне сочувствовал мятежникам. «Если я не сражался за Родину, то хотя бы для нее напишу», – писал он в письме своему брату. Сюжет его картины представляет собой эпизод баррикадного боя на одной из улиц Парижа. В центре – женская фигура, олицетворяющая свободу, смело указывает путь отряду повстанцев, среди которых выделяются люди разного происхождения и возраста: рабочий, буржуа и подросток. Парадоксально, но многие французы, увидев картину впервые, посчитали женский образ Свободы вульгарным. «Это – девица, сбежавшая из тюрьмы Сен-Лазар», – писали в журнале «La Revue de Paris».
Еще более гневные отзывы критиков вызвала историческая картина Эжена Делакруа «Смерть Сарданапала». По замыслу художника картина должна была потрясти и взволновать зрителя, но получила шквал критики за царящий на переднем плане хаос, а сам Делакруа был обвинен в смаковании жестокости. Как можно было на переднем плане изобразить обнаженную девушку, отчаянно пытающую вырваться из рук жестокого убийцы? Для того времени это был нонсенс в искусстве. Делакруа не скрывал, что создал драматическую композицию под впечатлением от драмы «Сарданапал» Джорджа Байрона, английского поэта, покорившего воображение Европы своим «мрачным эгоизмом». Согласно легенде, ассирийский царь Сарданапал, отличавшийся распутным образом жизни, довел страну до такого состояния, что начался бунт. После тщетной попытки подавить мятежников, царь решил покончить с собой и уничтожить всех, чтобы никто не достался врагу. Делакруа изобразил тот момент, когда Сарданапал наблюдает за жестокой резней перед тем, как принять яд.
«Раненый кирасир, покидающий поле битвы» – одна из знаковых и самых драматических картин 23-летнего французского художника Теодора Жерико. Картина создавалась в страшной спешке. Шел 1814 год, и Франция переживала мучительное похмелье после поражения наполеоновской армии. Наполеон Бонапарт отрекся от престола, к власти вернулись Бурбоны. Колорит картины, мрачный и контрастный, только усиливал гнетущую атмосферу поражения. «Чем больше на картине оттенков черного – тем выше ее художественная ценность», – пытался пояснить Теодор Жерико свой выбор оттенков. Но зрители отказались принять «Раненого кирасира, покидающего поле битвы». Отвернулись они и от художника. Те, кто еще недавно превозносил его молодое, мощное дарование, теперь демонстрировали неудовольствие: «Лошадь чудовищна! Колорит черен и искажен». Легко идентифицировать себя с победой, но никто не хочет отождествлять себя с поражением. Вот и французская публика не пожелала. Ведь картина «Раненый кирасир, покидающий поле боя» напоминала им о славной наполеоновской эпохе, хоть и трагичной.
«Леонид при Фермопилах» – картина французского художника Жака-Луи Давида, написанная в 1814 году. Название картины отсылает к знаменитой битве при Фермопилах, произошедшей во времена греко-персидской войны 480-479 годов до н.э., когда трагически погибли все триста спартанцев во главе со своим царем Леонидом I. Жак-Луи Давид показал на полотне не сам бой, а подготовку к нему. Центральное место занимает царь Леонид I, обнаженный, но в шлеме и с мечом. По правую руку от царя изображен его брат с венком на голове, который спартанцы всегда надевали во время жертвоприношения перед сражением. Спартанец с копьем – слепой. Незадолго до боя два спартанца внезапно ослепли, и царь Леонид I отправил их домой. Но один приказал рабу отвести его обратно, чтобы сражаться вместе с товарищами. Второй же вернулся на родину. В итоге – первый погиб, но снискал бессмертную славу, а второго до конца жизни все презирали. Вверху воин рукоятью меча пишет фразу: «Путник, поди возвести спартанцам, что мы, их законам верны, здесь костьми полегли». Действительно, все 300 спартанцев полегли на поле битвы. Обезглавленное тело царя Леонида I персы прибили к борту корабля, а его голову насадили на кол. Какие жестокие нравы!
Французский живописец Жан-Жермен Друэ, преждевременно скончавшийся в 24 года, оставил потомкам три драгоценные жемчужины своего таланта, в том числе историческую картину «Гай Марий в Минтурнах», написанную в 1786 году за два года до смерти. На полотне представлен эпизод из жизни великого римского полководца Гая Мария, самого могущественного человека в Риме во 2 веке до н.э. Однако, проиграв сражение в гражданской войне, Гай Марий вынужден был бежать из Рима и скрываться в болотах близ города Минтурны, где его голого и грязного, нашли местные власти и приговорили к смерти. На картине запечатлен драматический момент, когда палач, услышав слова Мария: «Несчастный! Как ты смеешь поднять руку на Гая Мария?», оцепенел от страха. Посчитав, что это знак богов, жители Минтурны освободили Гая Мария.
Картина «Саломея с головой Иоанна Крестителя» была написана в 1527-1530 годах миланским живописцем Бернардино Луини. Сюжет картины основан на библейской легенде о Саломее, которая очаровала своего дядю, царя Ирода Антипа, соблазнительным танцем «Семь вуалей». Во время танца Саломея, постепенно сбрасывая с себя вуали, осталась нагой. Царь Ирод так восхитился искусной танцовщицей, что пообещал исполнить любое ее желание. Саломея по настоянию матери пожелала голову пророка Иоанна Крестителя, который осуждал распутный образ жизни ее матери. Ирод не смог отказаться от данного ей обещания. «Саломея с головой Иоанна Крестителя», созданная Бернардино Луини, экспонируется кроме Лувра, еще в шести европейских галереях. «Производительность его достигла неслыханных размеров. Миланские галереи насчитывают десятки его мадонн и святых, улыбающихся своими томными взглядами и фарфоровыми кукольными личиками; сотни их вывезены в собрания Италии и Европы», – писал о Бернардино Луини русский искусствовед Павел Муратов в книге «Образы Италии».
Многие картины Бернардино Луини приписывались в прошлом кисти гениального Леонардо да Винчи, ведь на лицах своих мадонн Луини настойчиво стремился повторить ту же загадочную улыбку. Стиль великого Леонардо да Винчи особенно заметен на религиозном полотне «Святое семейство», созданном Бернардино Луини в 1515 году – те же кроткие выражения лиц и та же, разработанная Леонардо да Винчи, техника «сфумато» (сглаживание цветовых переходов и контуров, создающее иллюзию загадочности). Привлекают внимание изящные женские лица с вытянутыми глазами, которые русский писатель Владимир Набоков называл «луиниевскими». «Но самая прелестная из всех Мадонн принадлежит кисти Бернардо Луини. Нежнейший мастер. Из имени его даже создали новое прилагательное – luinesco. У лучшей его Мадонны длинные, ласково опущенные глаза; …она смотрит на младенца, опустив нежные, продолговатые очи… Луиниевские очи…», – писал Владимир Набоков в рассказе «Венецианка».
Портрет «Майора Джеймса Ли Харви» создал Генри Ребёрн, шотландский живописец, один из крупнейших портретистов 18-19 веков. Метод его работы был необычен по сравнению с другими художниками своего времени – он никогда не делал предварительных набросков, а изображал людей, предметы и аксессуары на своих картинах только с натуры. «Майор Джеймс Ли Харви» изображен в форме офицера гордонского хайлендера, пехотного полка, названного так в честь шотландского рода Гордонов и созданного в 1787 году генералом британской армии Ральфом Эберкромби специально для службы в Индии. Сюжет портрета передает дух той эпохи, когда британские войска под командованием Ральфа Эберкромби одержали победу над французским гарнизоном в битве при Александрии в 1801 году, ознаменовав провал египетской экспедиции Наполеона Бонапарта. Портрет был подарен Лувру в 1995 году «Обществом друзей Лувра».
«Смерть Марии», самое скандальное произведение в истории живописи, было создано в 1606 году Караваджо, гениальным художником с неоднозначной репутацией. Он сознательно придал картине мирскую сущность, показав смерть Марии, матери Иисуса, без малейшего намека на ее вознесение. Реализм картины потряс представителей духовенства, которые заказывали ее для кармелитской церкви. Они возмутились старческим опухшим лицом Марии и ее неподобающей позой, а также грязными и загрубевшими ногами святых апостолов, и даже тем, что в качестве натурщицы Караваджо использовал проститутку, утонувшую в Тибре. Банальная смерть матери Иисуса шокировала религиозных людей, и они отказалось принять картину. Покупателя долго не находилось, пока фламандский живописец Питер Пауль Рубенс, будучи в то время придворным художником Мантуанского двора, не посоветовал приобрести картину мантуанскому герцогу Винченцо I Гонзага. Перед тем, как увезти картину из Рима герцог решил показать ее публике и выставил в Академии святого Луки. И тут все увидели, что – это очередной шедевр Караваджо. Именно в картине «Смерть Марии» гений светотени сумел убедительно показать, что истинная скорбь – это не завывания профессиональных плакальщиц, а скорее, спрятанные в ладонях лица и их скорбное молчание. Но восторженные отзывы публики Караваджо уже не слышал. К тому времени, обвиненный в убийстве сутенера во время очередной пьяной потасовки, он сбежал из Рима – сначала в Неаполь, а затем на Мальту.
На Мальте Караваджо встретили радушно. Сам Великий магистр Алоф де Виньякур заказал ему свой портрет. Когда работа над портретом была завершена, Виньякур устроил прием во дворце, собрав весь цвет рыцарства. Он был уверен в успехе своего портрета. Когда Караваджо откинул покрывало с мольберта, все присутствующие ахнули от восхищения. Перед ними в полный рост предстал в рыцарском облачении и с жезлом в руках «Алоф де Виньякур и его паж». Великий магистр был в таком восторге от своего портрета, что одарил художника массивной золотой цепью, двумя рослыми рабами и удостоил звания кавалера Мальтийского ордена с оговоркой «за заслуги» и правом носить меч, но никак не «верноподданнический крест», так как художник не имел дворянского происхождения. Во время торжественного акта возведения в рыцарский сан Караваджо был настолько взволнован, что не придал значения произнесенным на латыни словам «militem obedientiae», то есть «рыцарь повиновения». Отныне, он считался заложником Мальтийского ордена, которому были отрезаны пути на материк, ибо его прямой «рыцарский» долг – писать картины для украшения уже наскучившей ему Мальты. Разве об этом он мечтал, отправляясь на остров, который рассматривал только как трамплин для возвращения в Рим?
Картину «Музицирующая святая Цецилия с ангелом» написал в 1617 году Доменикино, видный представитель болонской школы живописи. Музыкальная тема картины имела для художника притягательную силу. Как заметил один из летописцев болонской школы, Доменикино, будучи еще ребенком, «любил музыку до чрезвычайности, хотя и не знал толком, как ее исполняют». Цецилию, святую деву-мученицу 3 века, считают покровительницей церковной музыки и всегда изображают с разными музыкальными инструментами. В 1260 году генуэзский архиепископ Иаков Ворагинский, составляя большой свод «Золотая легенда», в который вошла и биография святой Цецилии, написал: «Когда Цецилию вели в дом ее суженого в день их свадьбы под звуки музыкальных инструментов, в сердце своем обращалась она лишь к богу, моля его сохранить ее тело непорочным». Именно эта фраза послужила причиной последующих недоразумений, приведших к тому, что святая Цецилия стала символом музыки. Австро-венгерский композитор Ференц Лист писал: «Для меня, увидевшего в святой Цецилии символ, этот символ существует. Если это заблуждение, то заблуждение простительное музыканту, и я хотел бы надеяться, что и вы также его разделяете».
Картина «Христос вручает ключи святому Петру» написана Гвидо Рени, не менее знаменитым, чем Доменикино, представителем болонской школы живописи. «Первый есть живописатель чувства общего; второй – изобразитель страсти или чувства, перешедшего в действие. Гвидо посему идеалист, Доменикино – практик. ... Замечательно, что Гвидо не написал ни одного портрета, Доменикино писал портреты отличные», – сравнивал художников Степан Шевырев, русский историк литературы, в своей статье «Болонская школа (Отрывок из путевых записок по Италии)», опубликованной в 1833 году. Картина «Христос вручает ключи святому Петру» была написана Гвидо Рени в 1626 году для главного алтаря церкви, но в 1797 году, во время похода Наполеона Бонапарта в Италию, вывезена во Францию и передана в Лувр. Сюжет картины основан на словах из книги «Евангелие от Матфея», сказанных Иисусом Христом святому Петру: «На этой скале Я построю Церковь Мою… и дам тебе ключи от Царства Небесного». Преклоняя колено Петр с глубоким почтением принимает ключи: золотой – от рая, дающий право отпускать грехи, и серебряный – от ада, дающий силу отлучать от церкви. К тому же, как заметил Степан Шевырев, Доменикино изображал своих ангелов всегда занятых делом, а Гвидо Рени – эфирно летающими.
Картину «Слезы святого Петра» написал в 1647 году Джованни Франческо Барбьери, известный как Гверчино. В то время художник работал в Болоньи, где занимал одно из ведущих мест среди мастеров этой живописной школы. «Сия же Болонская школа произвела глубокого чувством, идеального Гверчино, творца Ессе homo», – писал Степан Шевырев в статье «Болонская школа». Фраза «Ecce Homo» («Это человек») позаимствована у прокуратора Понтия Пилата, который ее произнес перед толпой после бичевания Иисуса Христа. Картины на сюжет плачущего апостола Петра довольно распространены в христианской европейской живописи. Предание говорит, что у Петра постоянно были красные глаза – ежедневно, вспоминая слова Иисуса: «Говорю тебе, Петр, прежде чем сегодня пропоет петух, ты трижды отречешься от меня», он плакал.
По случаю своего 270-летия швейцарская часовая компания «Vacheron Constantin» представила в Лувре уникальные часы «La Quête du Temps» («В поисках времени») высотой 1 метр и весом 250 кг. В конструкции часов использованы хрусталь, литая бронза с покрытием из 18-каратного золота, полудрагоценные камни и 122 бриллианта. Часы оснащены ретроградным индикатором Луны с точностью на 110 лет вперед, вечным календарем, индикатором звездного времени, 24-часовым индикатором с переходом от дня к ночи, индикатором восхода-захода солнца, а также механическим музыкальным устройством с тремя специально составленными мелодиями. Но главной особенностью часов является позолоченный механический астроном под хрустальным куполом. Он приводится в движение и выполняет 144 различных жеста, отображая на глобусе месяцы, времена года, дни равноденствия и знаки зодиака. Часы защищены семью патентами, при этом восемь патентов имеет механический астроном. Часы не предназначены для продажи и созданы исключительно как демонстрация мастерства старейшей в мире компании «Vacheron Constantin» по производству часов.
Как видите, не зря считается, что Лувр – это один из самых значимых художественных музеев мира. Конечно, чтобы все посмотреть, нужен не один день. В коллекциях Лувра насчитывается почти 300 тысяч экспонатов, из которых только 35 тысяч выставлены в залах. С такой огромной коллекцией может соперничать лишь Эрмитаж в Санкт-Петербурге, в современном каталоге которого насчитывает около трех миллионов произведений искусства.
